NOUVEL APPEL OUVERT

Jusqu'au 30 avril 2022

Dossier : Leur espace : femmes artistes et poétique en trois dimensions

Ce dossier entend rassembler des articles, essais, critiques et entretiens, entre autres types de productions textuelles, traitant de la performance des femmes artistes et de leurs productions tridimensionnelles, entendues ici comme héritières du champ sculptural, mais qui au cours du XXe siècle s'hybrident avec d'autres langages et élargissent leurs recherches plastiques sur la forme vers la problématique de l'espace et/ou du corps, en dialogue avec d'autres domaines du savoir. Le dossier est organisé par Tatiana Sampaio Ferraz et Marina Mazze Cerchiaro.

Dossier : Leur espace : femmes artistes et poétique en trois dimensions

Tout au long du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècle, de nombreux obstacles s'opposent à la performance des femmes artistes dans le domaine de la sculpture, considérée par beaucoup comme « l'art masculin ».

Les défis de cette langue sont d'ordres différents - allant de son coût élevé par rapport à d'autres modalités, des besoins en infrastructures d'espace de travail et d'équipement, à l'ordre d'exposition et de commercialisation, tels que l'assemblage, le transport et la collecte privée.

Cependant, à partir de la seconde moitié du  XXe siècle, de nombreuses femmes artistes ont commencé à se consacrer à la production tridimensionnelle, notamment en étant reconnues par les critiques, les institutions et les historiens de l'art.

Durant cette période, la notion de sculpture s'est modifiée, s'hybridant avec d'autres langages et élargissant ses recherches plastiques sur la forme vers la problématique de l'espace et/ou du corps, en dialogue avec d'autres domaines du savoir.

Bien que les femmes aient eu un rôle fondamental dans ce processus d'évolution du langage sculptural vers un « champ élargi », selon les termes de Rosalind Krauss, nombre d'entre elles innovent en matière de matériaux, de techniques et de procédés de production, leurs trajectoires et poétiques étaient, en de nombreux cas, oblitérés par l'histoire de l'art occidental, en particulier l'art moderne, qui a toujours privilégié la peinture, au point d'être caractérisé par le théoricien brésilien Walter Zanini, comme une « entreprise de peintres » (expression inventée dans le livre “Tendência da Escultura Moderna”, publié en 1971).

Le dossier "Leur espace : femmes artistes et poétique en trois dimensions", organisé par Tatiana Sampaio Ferraz et Marina Mazze Cerchiaro, vise à rassembler des articles, des essais, des critiques et des interviews, entre autres types de production textuelle, traitant de la performance d'artistes et de leurs productions tridimensionnelles, ainsi que la manière dont les dynamiques de genre affectent le « champ étendu » de la sculpture. Dans cette section, des contributions qui portent sur :

1) artistes et productions tridimensionnels marginalisés par l'histoire de l'art ;

2) la performance et les processus d'insertion professionnelle et de consécration des artistes ;

3) matérialité, circulation et institutionnalisation des œuvres réalisées par celles-ci, cherchant à comprendre les changements subis au fil du temps ;

4) des productions contemporaines qui établissent des relations entre le féminin et la poétique tridimensionnelle ;

5) poétique tridimensionnelle d'un point de vue féministe ;

6) pratiques sculpturales, tridimensionnelles et/ou spatialisées en dialogue avec l'espace urbain ;

7) pratiques sculpturales, tridimensionnelles et/ou spatialisées en dialogue avec d'autres langages et domaines de savoir.

 

NOUVEL APPEL

>>>>>Appel à soumission : Date limite 31 janvier 2022

DOSSIER : J'étais là tout le temps et vous ne m'avez pas vu : défis et réalisations de l'art indigène contemporain brésilien.

Organisation/Éditeurs invites : Kassia Borges e Naïne Terena

Il peut s'agir d'un vers ou d'une poésie littéraire, mais la phrase « J'étais là tout le temps et tu ne l'as pas vu » est une provocation du nouveau visible. L'art a toujours été dans une place eurocentrique dominante qui nous a conduit à croire que la voie serait l'effacement d'autres manières de voir le monde et nos origines. Cette phrase peut aussi être une pause possible pour réfléchir à quelque chose qui se manifeste dans les principales institutions du monde actuel de l'art.

Si jamais nous nous souvenons de ce moment fatidique que nous vivons, nous nous souviendrons de la pandémie, du bouleversement de la politique et du confinement. La seule chose dont nous serons sûrs, c'est que rien ne sera plus jamais pareil... pas les rochers, les couleurs, les courbes, les lignes ou les volumes. C'est donc à ce moment qu'il faut aborder l'histoire des perdants, qui reste à écrire. Je parle des peuples autochtones. Nous ne pouvons pas simplement accepter l'histoire qui continue de ruiner la vie des peuples autochtones, ni l'effacement de leurs cultures. Depuis le début du processus de colonisation, le Brésil a vécu sous la domination de l'Europe occidentale, blanche et masculine, sans oublier sexiste. Une réalité à laquelle l'art n'a pas échappé.

Dans le monde académique et artistique, quel serait le processus de compréhension de l'œuvre d'art et de l'acte créateur ? Est-ce un point de vue sur le monde ou est-ce le reflet d'où nous venons et qui nous sommes ? Je pense qu'il est important d'avoir une certaine connaissance d'où nous avons commencé, et où nous faisons partie. Au bord du feu, lors du rituel Karajá « Hetohokā », tout le monde danse autour d'elle, en cercle. C'est un rite de passage. Chaque rituel est cyclique, circulaire, en spirale ; c'est aussi un tourbillon dans la rivière qui va et vient, mais qui ne s'arrête jamais au même endroit. Le temps passe et ce qui reste est le débit, le courant de la rivière ; un pororoca qui a aussi creux, maloca, locus, local. Quelle est notre topophilie dans l'histoire du Brésil colonisé ? (...)

Des artistes autochtones de divers groupes ethniques qui résistent et survivent aujourd'hui se présentent et sont présents dans de grandes galeries, musées et lieux colonisés et eurocentriques, montrant leurs arts puissants et révélateurs. La porte d'entrée de ce moment, que j'espère précise et affirmée, s'ouvre sur un nouveau temps de découverte de qui nous sommes réellement ; c'est urgent et non transférable. Nous réécrivons ainsi une autre histoire brésilienne, où la place de la parole est présente. Cette réécriture suscite discussions et provocations sur ce terrain fertile de l'art indigène contemporain. Par conséquent, le magazine Estado da Arte, de l'Institut des Arts de l'Université fédérale d'Uberlândia (UFU), ouvre son espace pour un dossier avec des articles et d'autres propositions sur l'art contemporain et la diversité des expressions artistiques et culturelles qui ont, en particulier, focus et discussion sur l'art contemporain des peuples originels du Brésil.

De cette façon, nous avons récupéré l'expression « J'étais ici tout le temps et tu ne m'as pas vu » comme thème de réflexion et d'accent thématique sur les défis et les réalisations de l'art indigène contemporain brésilien. Nous invitons chercheurs et artistes à produire des œuvres autour de problématiques telles que :

1. Esthésie provocatrice ;
2. Pratiques curatoriales des artistes et curateurs autochtones ;
3. Propositions d'autres manières de produire de l'art contemporain ;
4. Poétique indigène sous les tropiques tristes.

Cet appel est ouvert à la publication dans le tome 3 du second semestre 2022.

Les contributions peuvent être en portugais, espagnol, anglais, français ou dans la langue maternelle des peuples autochtones et doivent être envoyées avant le 31 janvier 2022 via le site Web :

http://www.seer.ufu.br/index.php/revistaestadodaarte/about/submissions

 

Appel terminé:

DEUX APPELS OUVERTS >>>> DATE LIMITE PROLONGÉE POUR LA SOUMISSION DES CONTRIBUTIONS: 01/07/2021

CIRCUITS EXPÉRIMENTAUX ET ALTERNATIFS DE PRODUCTION, D'INSTALLATION ET DE CIRCULATION DE L'IMAGE ET DE L'OBJET ARTISTIQUE

Éditeurs de section: Almerinda Lopes (UFES Brasil) / Marco Pasqualini de Andrade (UFU Brasil )

>>>> NOUVEL APPEL | >>>> DATE LIMITE DE SOUMISSION DES CONTRIBUTIONS: 1/09/2021

L'ART OCCUPE: les pratiques créatives et occupations dans la conception de la ville

Éditeurs de section:Patricia Osses (UFU) e Henrique Xavier

La ville est l'objet de l'appel à publication au premier numéro 2022. Le dossier propose de rassembler des réflexions théoriques et, aussi, des essais visuels (dessins, photos, vidéos, audiovisueles etc.) sur les pratiques artistiques dans leur rapport à l'espace urbain. La perspective vise une gamme qui va des occupations situationnistes des étudiants parisiens de mai 68, qui ont proclame: "Nous ne demandons rien. Nous prenons et occupons simplement" aux squats artistiques comme l'Ocupação Ouvidor 63, un immeuble de 13 étages au centre-ville de São Paulo (où plus de 100 artistes de toute l'Amérique latine cohabitent et expérimentent dans un système d'autogestion); en passant par des pratiques d'errance esthétique-politique proposées par le professeur, architecte et stalker Francesco Careri qui traverse la ville depuis ses vides, ses ruines et ses limites. Nous proposons une cartographie collective dans laquelle allées périphériques, bâtiments abandonnés / occupés, centres dégradés et autres espaces inflammables répartis sur les territoires brésiliens et étrangers. Ces espaces qui se présentent non seulement comme des alternatives aux pratiques artistiques, mais, en même temps, comme un lieu de renforcement et d'exercice des notions de citoyenneté, d'appartenance et de résistance urbaine.

Ainsi, le dossier L'ART OCCUPE recevra des travaux autour de problématiques telles que:

• La production artistique basée sur des expressions sociopolitiques et des logiques territoriales opposées au système et à la logique du capital;
• Propositions d'expériences artistiques de rupture avec le lieu (des situations d'exposition non conventionnelles, permanentes ou transitoires, en plus de la dérive ou de l'errance comme pratique esthétique) qui visent à déstabiliser les paradigmes spatiaux et urbains (monuments, rues, bâtiments) qui font exploser la logique sous-jacente à l'espace urbain conçu et planifié de façon moderne;
• Art pensé en relation avec le droit à la ville, le droit à la culture et / ou à la production d'une contre-culture;
• Pratiques artistiques en proposant d'autres modes de vie et d'autogestion, y compris en lien avec les mouvements d'occupation et de logement social;
• Propositions artistiques changeant la compréhension de la ville et de la citoyenneté, agissant dans la gestion des désirs individuels et collectifs.

Le dossier est ouvert non seulement à l'optique des arts, mais aussi à l'approche du thème proposé dans la perspective des études d'urbanisme, d'architecture, de sociologie, d'anthropologie, de psychologie, d'histoire, etc.

Nous invitons les auteurs à envoyer des articles dans les formats suivants: article, essai visuel et manifeste (texte des revendications et proposant de nouvelles organisations dans les occupations ou collectifs existants). Les contributions qui se présentent sous la forme d'un article doivent respecter les règles de la revue.

Toutes les soumissions doivent être envoyées à la plateforme de la revue avant le 1 septembre 2021. D'autres contributions aux thèmes variés suivront dans un système de flux continu.

http://www.seer.ufu.br/index.php/revistaestadodaarte/about/submissions

Les propositions d’articles d’une longueur de 25 000 à 35 000 signes (y compris les espaces), incluant toutes les informations supplémentaires (résumé, mots-clés, données d’auteur, sous-titres, etc.).

 

>>>>CIRCUITS EXPÉRIMENTAUX ET ALTERNATIFS DE PRODUCTION, D'INSTALLATION ET DE CIRCULATION DE L'IMAGE ET DE L'OBJET ARTISTIQUE

DATE LIMITE PROLONGÉE POUR LA SOUMISSION DES CONTRIBUTIONS: 01/07/2021

Après le conflit mondial de la Seconde Guerre mondiale, au XXe siècle, les principales puissances mondiales contesteraient, à tout prix, l'hégémonie du pouvoir: politique et économique. L'exacerbation de la production industrielle et la montée du consumérisme ont favorisé à la fois des changements rapides d'habitudes et une remise en cause des valeurs du passé, ainsi que des transformations sociales, économiques et politiques majeures, partout dans le monde. Dans ce nouveau contexte, les distances entre les continents se sont également rétrécies avec le développement des moyens de transport et des nouvelles technologies de l'information de la communication, réunissant les peuples et les cultures, selon les mots de Marshall McLuhan, dans un véritable « global village». Cette nouvelle réalité, si d'une part elle suscite l'euphorie, d'autre part elle suscite aussi des doutes et des contestations, dans tous les domaines, même en questionnant la fonction même de l'art, son caractère utopique et élitiste, qui l'éloigne de la vie. Dans ce scénario de questionnement et de transformations, des mouvements pour la paix, pour la liberté démocratique, pour l'expansion des droits civils, l'égalité des sexes, la rupture des tabous sexuels, l'opposition au pouvoir patriarcal émergent également. Ces revendications et d'autres se sont renforcées chez les jeunes intellectuels, militants universitaires, à l'ordre du jour des mouvements hippie et féministe, aboutissant à la contre-culture.

Au milieu de cette vague de contestation et de rébellion, émerge le phénomène de «dématérialisation» de l'objet artistique (dans la conceptualisation de Lucy Lippard), qui produit l'hybridation des langages, générant des changements dans la morphologie, l'esthétique, la matérialité et dans les concepts mêmes de art et artiste. La question centrale de l'art est passée de la pureté, de «l'apparence» ou de la «configuration visuelle», à l'idée ou au concept, souvent de nature politico-critique, en particulier dans les pays d'Amérique latine en dictature. Ces changements modifieraient également les modes de production et de circulation des images et des objets artistiques. Ainsi, si nous sommes d'accord avec Peter Osborne (2006), lorsqu'il observe «qu'après Duchamp et, de par sa nature, tout art est conceptuel», il peut être possible de relier cette assertion au large spectre des nouvelles propositions alternatives et expérimentales, qui a surgi plus intensément à partir du milieu des années 1960.

Ainsi, nous invitons les chercheurs à relever le défi d'élargir la discussion sur les transformations et les nouveaux statuts contemporains de l'image dans les arts visuels (photographie, cinéma, vidéo, holographie, procédés numériques, entre autres), ainsi que les modalités de leur insertion et circulation, dans des espaces alternatifs, des galeries, des expositions éphémères et portables, ainsi que par la poste, Internet et les réseaux sociaux.

Les propositions d’articles d’une longueur de 25 000 à 35 000 signes (y compris les espaces), incluant toutes les informations supplémentaires (résumé, mots-clés, données d’auteur, sous-titres, etc.) doivent être envoyées avant le 2021-06-01. Le modèle et les orientations pour les auteurs sont disponibles sur le site de la revue État de l’Art : http://www.seer.ufu.br/index.php/revistaestadodaart e/index

 

 

 

Appel terminé:

Des œuvres qui racontent :  traces, ramifications, contaminations et effacements

Le prochain numéro de la revue État de l’Art, prévu pour le premier semestre 2021, aura comme sujet les œuvres narratives, qu’ils soient fictifs, documentaires ou de nature hybride. Le dossier traitera d’œuvres, d’actions et de projets artistiques, qui mettent en place la notion de récit  pour raconter des histoires. Actuellement, les arts visuels se caractérisent par une immense variété de méthodes et de procédures, à de nombreuses reprises considérées comme interdisciplinaires. Ce contexte donne lieu à une interrogation majeure sur la dimension narrative et la construction de significations dans le domaine de l’art contemporain. Si le récit littéraire est habituellement compris comme l’action de raconter, liée à l’exposition d’une série d’événements qui constituent une histoire, il est intéressant d’envisager les transpositions de ses formats et structures dans les œuvres d’art contemporain. 

Ce volume cherche à cartographier les « manières de raconter » spécifiques de l’art, pour pouvoir analyser les fonctions, les structures et les formats narratifs propres aux pratiques artistiques, ou encore pour identifier le potentiel descriptif et diégétique des œuvres narratives.  Par conséquent, il est pertinent de réfléchir sur des œuvres qui, dans leurs différentes présentations et occurrences, ponctuent l’ambivalence entre documentaire et fictionnel, suscitant des interrogations sur des termes adjacents tels que la factualité, l’apparence, la superficialité, la vérité, le mensonge, la preuve, la (dés)information, entre autres. Dans quelle mesure les installations, les performances ou les images artistiques constituent-elles des structures et des rapports qui peuvent être placés entre la fiction et la documentation? Quelles sont les caractéristiques qui qualifient ces récits artistiques ? Considérant que les récits audiovisuels impliquent une articulation d’éléments spatio-temporels, peut-on s’interroger sur les relations spatio-temporelles dans les images statiques, et sur leur potentiel narratif ? Est-il possible de penser les récits visuels à partir d’un principe «non prédicatifs», par opposition au récit littéraire, ou est-il possible de définir certaines modes narratives, qui transitent entre le texte et l’image comme ? Pouvons-nous évoquer le silence, l’interruption, la trace et la ramification comme des éléments contraignants ? Quels parallèles peut-on établir entre la narration et l’interprétation de l’œuvre ?

À partir des spécificités des ces œuvres narratives, les parcours théoriques et méthodologiques des poétiques contemporaines sont analysés. Le but de cette publication est de rassembler des articles qui développent ou retravaillent les perspectives citées, en proposant des dialogues thématiques tels que : Œuvres narratives ; Fictions artistiques; Docu-fictions; Auto-fiction; Contaminations entre arts visuels et littérature / entre arts visuels et cinéma; Image et langage ; Image - temps - mouvement.

Les propositions d’articles d’une longueur de 25 000 à 35 000 signes (y compris les espaces), incluant toutes les informations supplémentaires (résumé, mots-clés, données d’auteur, sous-titres, etc.) doivent être envoyées avant le 2021-03-01. Le modèle et les orientations pour les auteurs sont disponibles sur le site de la revue État de l’Art : http://www.seer.ufu.br/index.php/revistaestadodaart e/index